Maurizio Galimberti nasce a Como nel 1956, ma cresce a Meda. Comincia la sua carriera fin da ragazzo, partecipando e vincendo a numerosi concorsi fotografici. Il suo esordio lo deve ad una fotocamera ad obbiettivo rotante widelux in bianco e nero e in diapo/cibachrome, con la classica pellicola analogica. Ma nel 1983 inizia la sua passione, ed il relativo successo, per la Polaroid. La sceglie prima di tutto per vedere subito il risultato del suo scatto, senza dover aspettare i tempi dello sviluppo. Si accorge inoltre che la resa dei colori con la pellicola istantanea è semplicemente magica ed inizia un lungo percorso di ricerca e di sperimentazione nell’uso di questo strumento.

Diventa testimonial della Polaroid e nel 1995 viene pubblicato il volume  POLAROID PRO ART; due anni più tardi i suoi “mosaici” di polaroid entrano a far parte delle collezioni d’arte contemporanea.

Galimberti riesce in un istante a visualizzare una complessa scomposizione dell’immagine da ritrarre, matematica e geometrica nel suo rigore e musicale nell’armonia d’insieme, che realizza di getto leggendo le note nella sua mente.

Sempre con la tecnica a mosaico, trovano un elevato successo i suoi ritratti, tanto che diventa il ritrattista ufficiale di numerose edizioni del Festival del Cinema di Venezia, oltre ad ottenere, nel 1999, la nomina al primo posto nella classifica dei foto-ritrattisti italiani redatta dalla rivista Class.

La curiosità per la particolare tecnica da lui sviluppata ha suscitato l’interesse di numerose aziende leader in vari settori, tra le quali: Milan calcio (“Il Milan del centenario”) Fiat Auto (calendario 2006, libro “Viaggio in italia…nuova fiat 500″) Kerakoll (libro “NewYorkmatericomovimentosa”) Jaeger Lecoultre (libro “La grand maison”) Illy caffè (campagna istituzionale 2008) Nokia ( libro “telefoninotempoemozione”)Lancia Auto (ritratti alla 66a mostra del cinema di Venezia).

Nel 2005 l’incontro con i Sig.ri Fumagalli, appassionati e collezionisti di arte contemporanea, ha permesso a Galimberti di iniziare la realizzazione di importanti volumi sulle città del mondo come New York, Venezia, Berlino. Inoltre nel 2007 viene fondato l’Archivio NordEst che raccoglie, numera e cataloga le sue opere al fine di valorizzarle e di tutelarne l’autenticità.

Nell’ottobre 2009 in occasione della riapertura di Polaroid è invitato in veste di testimonial ufficiale alla fiera della fotografia di Hong Kong , di Las Vegas e al Tribeca Film Festival, realizzando portraits performance con Lady Gaga, Chuck Close e Robert de Niro.

Galimberti ha anche ricoperto il ruolo di visiting professor alla Domus Academy, alla facolta’ di Industrial Design alla Universita’ Bicocca di Milano e, all’Istituto Italiano di fotografia di Milano.

A febbraio 2013 esce “PAESAGGIO ITALIA”, edito da Marsilio Editori SpA, ispirato all’omonimo progetto al quale Galimberti ha lavorato in collaborazione con GiArt di Bologna.

Attualmente sta lavorando ad un prestigioso volume sulla città di Milano in vista dell’Expo del 2015, e ad un volume con Archivio nordest sulla citta’ di New York di imminente realizzazione.

Giuseppe Migneco nasce a Messina nel 1908. Dopo aver fatto gli studi classici nella città natale, si trasferisce nel 1931 a Milano dove comincia a studiare medicina. Nel capoluogo lombardo comincia ad entrare nel mondo dell’arte disegnando bozzetti per il “Corriere dei piccoli” e facendo il ritoccatore per l’editore Rizzoli. Queste esperienze lo portano ad iniziare la sua attività pittorica che lo renderà famoso, realizzando dipinti dai contenuti autobiografici. Nel 1934 avviene la svolta. Entra in contatto con Aligi Sassu, Renato Birolli, Raffaele De Grada dai quali resta incantato. Nel 1937 è tra i fondatori del movimento di “Corrente” che raggruppa artisti provenienti da diversi orizzonti culturali, con il comune obiettivo di aprirsi alla cultura moderna europea, rifiutando l’isolamento culturale imposto dal fascismo. In “Corrente” affluiscono, nel tempo, artisti con visioni dell’arte molto diverse, uniti inizialmente per respingere canoni pittorici ormai superati, che prenderanno poi strade diverse, come Arnaldo Badodi, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Sandro Cherchi, Piero Gauli, Renato Guttuso, Giacomo Manzù, Ennio Morlotti, Paganin, Aligi Sassu, Italo Valenti, e Emilio Vedova. Nel dopoguerra Migneco affina il suo gusto per il “realismo sociale” subendo l’influsso dei pittori murari messicani. Un suo ammiratore lo definì “intagliatore di legno che scolpisce col pennello”. Negli anni Cinquanta viene consacrato come uno dei più importanti maestri dell’arte italiana contemporanea. Sue personali si sono svolte in importanti gallerie nazionali ed estere: Goteborg, Boston, Parigi, Stoccarda, New York, Amsterdam, Amburgo e Zurigo. Nel 1958 partecipa alla XXIX Biennale d’arte di Venezia. I suoi colori sempre forti e vivaci che ricordano la sua Sicilia dai tratti violenti e netti, i volti duri e coraggiosi rendono le sue tele espressione della lotta esistenziale, nel continuo e profondo confronto con l’umanità e con gli eventi che la assediano, nella coscienza e nella speranza di libertà e di memoria, al di là dell’assurda solitudine dell’esistenza.

Muore a Milano il 28 febbraio del 1997.

Riccardo Licata nasce a Torino, il 20 dicembre del 1929. Tra il 1935 ed il 1945 vive a Roma con la sua famiglia e successivamente si trasferisce a Venezia, dove comincia a frequentare il  Liceo Artistico. Studia la cultura della Bauhaus e inizia a cimentarsi con il mosaico. Conosce gli artisti Giuseppe Santomaso, Emilio Vedova, Lorenzo Viani, Giulio Turcato e Renato Birolli. Nel 1949 con altri giovani costituisce un gruppo di tendenza astratta. Nel 1950 s’iscrive all’Accademia di Belle Arti di Venezia e due anni più tardi partecipa con un grande mosaico alla Biennale di Venezia e, nel 1953, alla Triennale di Milano.

Conosce Gino Severini e diventa suo assistente alla cattedra di mosaico. Comincia a vivere tra Parigi e Venezia, frequentando gli studi di vari artisti. Diventa docente di mosaico all’Accademia di Belle Arti di Parigi e, dal 1970, insegna tecniche dell’incisione a Venezia. Nel 1963 vince il premio Michetti. Partecipa alle Biennali di Venezia del 1964, 1970 e 1972, alla Quadriennale di Roma, alle Biennali di Parigi, San Paolo e Alessandria d’Egitto.

In questo periodo sviluppa e definisce quello che poi diventerà il suo linguaggio artistico, una specie di alfabeto composto da simboli e tratti grafici, che saranno i “soggetti” di moltissime sue opere, specialmente gli oli su tela, nelle tecniche miste, e nelle serigrafie a tiratura limitata. Questi tratti  Licata stesso li definisce lettere immaginarie, una “scrittura grafico-pittorica” che trae ispirazione dal linguaggio musicale.

Suoi grandi mosaici sono installati in spazi pubblici di città italiane e francesi quali Genova (Palazzo dei lavori pubblici), Bourgoin-Jallieu, Sault-lès-Rethel, Lilla (Università),Perpignano, Monza (largo di via Italia), Reggio Emilia (Camera del Lavoro), ecc. Si è occupato anche di scenografie teatrali (Medea di Euripide, nel 1978 a Treviso, Teatro Comunale) e di balletto (Ichspaltung di Giuseppe Marotta nel 1980 a Venezia, Teatro Goldoni).

Anche moltissime sue opere si trovano presso Musei d’Arte Moderna di Venezia, Milano, Mulhouse, Alessandria, Roma, Torino, Varsavia, San Paulo del Brasile, Vienna, New York, Stoccolma, Firenze, Stoccarda, ecc.

Tra Venezia e Roma, in importanti luoghi come La Biblioteca Nazionale Marciana ed il Museo Nazionale di Palazzo Venezia, sono state ospitate importantissime mostre del maestro, esaltando ciò che è stata la sua ricca ed originale produzione artistica. Proprio la mostra “Riccardo Licata e le stagioni dello spazialismo a Venezia” ha proposto una rassegna delle opere di Licata tra gli anni 50 e 60, confrontandole con quelle di altri artisti contemporanei aderenti alla corrente spazialista, di cui fu il fondatore Lucio Fontana.

Sempre nell’anno 2009, la città di Venezia, per celebrare gli 80 anni del pittore e mosaicista, ospita nel prestigioso Palazzo Ducale una grande mostra di mosaici e vetri. Nello stesso anno Venezia ospita inoltre, presso la sede espositiva della ex Chiesa di Santa Marta, “Porto D’Arti” evento collaterale alla 53esima Biennale d’arte (progetto che figurerà nel Catalogo generale della stessa Biennale e in tutte le comunicazioni dell’Ente) in cui il maestro, che già annovera ben 8 presenze alla Biennale Veneziana, espone unitamente ad altri 7 artisti italiani di fama internazionale, tra i migliori esempi italiani nell’ambito delle arti visive.

Si rafforza la collaborazione con Bonito Oliva e con  Sandro Chia, Enzo Cucchi, Nicola De Maria e Francesco Clemente,  con i quali partecipa alle collettive “Le stanze”, presso il Castello dei Colonna di Genazzano, “Opere fatte ad arte”, nel palazzo della Città di Acireale, connubio che trova realizzazione l’anno seguente con “Aperto ’80″, all’interno della Biennale di Venezia, dove viene ufficialmente presentata la Transavanguardia. In quell’occasione, Paladino espone le opere Castello dei Colonna di Genazzano”.

La passione per il disegno lo porta, nel 1980, ad un’altra espressione artistica: l’incisione, misurandosi con le varie forme dell’acquaforte, dell’acquatinta, della xilografia e della linoleografia (cammino ampliato anche dalla collaborazione con Alberto Serighelli, con il quale produrrà fogli di grande formato).

Nel 1981 si contano innumerevoli  esposizioni: al Kunstmuseum di Basilea e alla Kestner Gesellschaft di Hannover, presentato da Amman, al Mannheimer Kunstverein di Mannheim, al Groninger Museum di Groningen, alla Galleria d’Arte Moderna di Bologna. È dello stesso anno un’importante partecipazione all’esposizione “A New Spirit in Painting”, presso la Royal Academy di Londra, mostra che riflette, a livello internazionale, sull’entità dei nuovi linguaggi pittorici. Il 1982 è l’anno delle partecipazioni e dei riconoscimenti internazionali: Partecipa alla Biennale di Sidney, allo Zeitgeist di Berlino, a Documenta 7 di Kassel e realizza le personali presso il Louisiana Museum of Modern Art di Humlebaek, ; e poi nelle gallerie private di Anversa, Monaco, Napoli, Parigi, Roma, Zurigo. Inizia nel 1982 ad esporre per la Galleria Waddington di Londra,ed è membro onorario della Royal Academy. La sua carriera artistica si impreziosisce di numerosi viaggi, soprattutto negli Stati Uniti dove nel 1983 allestisce la sua prima personale presso la Galleria Sperone Westwater di New York.  Espone nelle collettive: “Det Italienska Transavangardet” presso la Lunds Konsthall di Stoccolma, “An International Survey of Recent Painting and Sculpture” alMuseum of Modern Art di New York, “Content: a Contemporary Focus, 1974/1984″ all’Hirshhorn Museum and Sculpture Garden di Washington, “Contemporary Italian Masters” al Chicago Public Library Cultural Center.  Nel 1990 Paladino espone il ciclo “EN DO RE”, opere Senza titolo, caratteristica molto ricorrente nelle opere di questi anni. L’artista afferma, infatti: “Io non ho mai dato titoli che suggeriscono un significato particolare, che potrebbero obbligare a leggere l’opera in termini strettamente simbolici e letterari. Il titolo di un’opera rappresenta sempre per me il lato spiazzante per l’interpretazione dell’opera”. Nel 1994 la sua prima mostra antologica dell’opera grafica, con la pubblicazione del catalogo completo del suo lavoro, è stata allestita, al Palacio Revillagigedo di Gijon (Spagna). È il primo artista contemporaneo italiano a tenere una mostra in Cina, alla Galleria Nazionale delle Belle Arti di Pecchino.

Nel 1999, presenta l’installazione “I Dormienti” nel sotterraneo della Roundhouse di Londra, ideata l’anno prima  per la Fonte delle Fate di Poggibonsi, L’opera si avvale di una musica scritta appositamente per l’occasione da Brian Eno.

Nel 1999 una grande mostra alla South London Gallery include Testimoni, un nuovo gruppo completo di 20 sculture in pietra bianca di Vicenza e Zenith, una serie di lavori in tecnica mista su alluminio. Nel 2003 rappresenta insieme a  Chia,  Clemente, Cucchi, e  De Maria “Transavanguardia 1979-1985″ al Museo d’arte contemporanea del Castello di Rivoli, a cura di Ida Gianelli. Nel 2005 espone al Museo Rupertinum di Salisburgo e la Loggetta Lombardesca di Ravenna dedica una grande mostra ai suoi lavori teatrali titolata “Paladino in Scena”, a cura di Claudio Spadoni. Nel giugno dello stesso anno, in occasione della Biennale, presenta una mostra di grandi sculture alla Galleria Internazionale d’Arte Moderna Ca’ Pesaro a Venezia. Nel 2009 un gruppo di sue sculture viene esposto,”en plein air”, a Orta San Giulio, sul Lago d’Orta; fra le opere un cavallo che galleggia davanti alla riva di villa Bossi, sede municipale. Una delle sculture “Caduto a ragione” viene collocata sull’isola di San Giulio con l’ausilio di un elicottero. Nel 2012 i suoi cavalli vengono posizionati sulla Fòcara di Novoli (Lecce), un vero e proprio monumento di ingegneria agraria e devozione, eretto e bruciato in onore di Sant’Antonio Abate e che sfiora i 25 metri di altezza e i 20 di diametro alla base.

I soggetti delle sue opere hanno un intonazione arcaica, accentuata dall’uso di simboli greco-romani, etruschi e paleo-cristiani e di tecniche antiche come l’encausto e il mosaico.

A partire dal 1970, Bodini inizia ad utilizzare il marmo, materiale sempre più usato nel suo lavoro, soprattutto per le opere monumentali. Realizza in marmo il monumento a Virgilio, per la città di Brindisi, nel 1985; la “Fonte di Sant’Agostino”, per Casciago (Varese), nel 1986; “Paolo VI” per il Duomo di Milano, nel 1989; il ritratto del “Cardinal Ferrari” per il Duomo di Parma, 1994;:l’altare maggiore del Duomo di Varese, 1991; il complesso dell’Altare Maggiore del Santuario della Santa Casa di Loreto, 1994; il “Monumento ai caduti del lavoro” per la città di Carrara, 1995; l’Altare Maggiore del Santuario” dell’Addolorata di Rho, 1995; l’Altare, l’Ambone e la sede delle Grotte Vaticane, 1999; la statua di “Santa Brigida di Svezia” per la Basilca di San Pietro in Vaticano; la Porta bronzea per il Laterano, 2000.

In bronzo realizza il “Monumento a Paolo VI” per il sacro Monte di Varese, 1986; il “Volo di colombe” nel 1997 per la nuova sede AGIP di San Donato Milanese; il monumento a “I sette di Gottinga” per la città di Hannover, 1998; il monumento “A Stradivari” per la città di Cremona, 1999, oltre a numerose sculture conservate nei musei italiani e internazionali.

Partecipa ad innumerevoli mostre pubbliche in città come Milano, Roma, New York, Pittsburgh, Amburgo, Lisbona, Madrid, Colonia, Hannover, Buenos Aires, Berlino, Bonn, Anversa. Partecipa anche alla nona e decima edizione della Quadriennale di Roma e sia nel 1962 che nel 1982 espone alla Biennale Internazionale d’Arte di Venezia.

E’ insignito nel 1977 del Premio Presidente della Repubblica per la Scultura dall’Accademia di San Luca. Nel 1979 gli viene conferito il Premio Bolaffi. Nel 1997 gli è attribuito il Premio per la Scultura Michelangelo Buonarroti; nel 1998 la città di Suzzara, in occasione del II Premio “Dino Villani” gli dedica il premio alla carriera. Nello stesso anno è Maestro del Palio della città di Asti. L’8 maggio del 1999 viene inaugurato il Museo Civico Floriano Bodini a Gemonio.

Muore a Milano il 2 Luglio 2005

]]> https://www.collezionedeltalento.it/bodini-floriano/feed/ 0 https://www.collezionedeltalento.it/arman/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=arman https://www.collezionedeltalento.it/arman/#comments Fri, 18 May 2012 15:38:24 +0000 admin http://www.collezionedeltalento.it/?p=287 Armand Pierre Fernandez, meglio conosciuto come Arman, nasce nel 1928 a Nizza e lì frequenta la Scuola di Arti decorative. Successivamente si trasferisce a Parigi per studiare alla Scuola del Louvre; in quell’ambiente conosce il critico Pierre Restanv e l’artista Yves Klein. Inizia con la pittura,  ma successivamente, sulla scia dei lavori di Pollock, De Stael e Kurt Schwitters, intraprende delle sperimentazioni basate sui materiali utilizzati ogni giorno. Realizza così le sue “Accumulazioni”, opere realizzate con oggetti come scarpe, telefonini, chitarre, ecc…, proprio ad evidenziare l’inizio dell’era del consumismo. Siamo intorno al 1960 quando Arman diventa uno dei maggiori esponenti del nouveau réalism con le sue “tele-sculture”. Comincia ad essere presente in mostre sparse in tutto il mondo: al MOMA di New York, al Walker Art Center di Minneapolis, allo Stedelijk Museum di Amsterdam, al Palais des Beaux-Arts di Bruxelles, alla Biennale di Venezia e al Documenta a Kassel. Intorno agli anni ’80 effettua un lungo soggiorno in Giappone dove realizza grandi sculture murali di utensili accumulati. Negli anni ’90 Arman continua, nonostante il successo internazionale, a lavorare con instancabile dedizione e coerenza. Molti lo definirono come un uomo generoso: spesso, infatti, si faceva pagare in natura.
La sua serie di sculture, intitolate “Atlantis”, sono frutto di un procedimento di fusione per il bronzo che lo fa apparire come deteriorato da immersione nell’acqua marina per lungo tempo.
Sono del 1995 le accumulazioni effettuate con diversi tagli di carta moneta e degli oggetti in relazione (caffettiere e macinacaffè, legno segato e sega per il legno, etc…).

Muore a New York il 22 ottobre del 2005.

“…Zora ha lavorato a questa scena collettiva con una grande forza d’invenzione, facendo fare un salto di qualità all’evento, immortalandolo (…) del lavoro inteso come fatica emblematica del dare la morte per permettere la vita.

Zora ha composto un semicerchio dove avviene la scena e s’incrociano i movimenti rituali dei pescatori, obbedienti alle prescrizioni disciplinari, con quelli scomposti delle bestie marine che annegano nel sangue il momento della loro involontaria passione.

Si tratta di un bassorilievo che non ha nulla di oleografico e di decorativo, ma corrisponde ad una funzione sociale che l’arte conserva in occidente, senza per questo cadere nella sociologia, nell’essere a posto di un’altra cosa.”

Tratto dal Libro:

“Zora, sculture, Tunisi, Cartagine”, 2002

Muore nella sua città natale il 27 novembre 2009.