Maurizio Galimberti nasce a Como nel 1956, ma cresce a Meda. Comincia la sua carriera fin da ragazzo, partecipando e vincendo a numerosi concorsi fotografici. Il suo esordio lo deve ad una fotocamera ad obbiettivo rotante widelux in bianco e nero e in diapo/cibachrome, con la classica pellicola analogica. Ma nel 1983 inizia la sua passione, ed il relativo successo, per la Polaroid. La sceglie prima di tutto per vedere subito il risultato del suo scatto, senza dover aspettare i tempi dello sviluppo. Si accorge inoltre che la resa dei colori con la pellicola istantanea è semplicemente magica ed inizia un lungo percorso di ricerca e di sperimentazione nell’uso di questo strumento.

Diventa testimonial della Polaroid e nel 1995 viene pubblicato il volume  POLAROID PRO ART; due anni più tardi i suoi “mosaici” di polaroid entrano a far parte delle collezioni d’arte contemporanea.

Galimberti riesce in un istante a visualizzare una complessa scomposizione dell’immagine da ritrarre, matematica e geometrica nel suo rigore e musicale nell’armonia d’insieme, che realizza di getto leggendo le note nella sua mente.

Sempre con la tecnica a mosaico, trovano un elevato successo i suoi ritratti, tanto che diventa il ritrattista ufficiale di numerose edizioni del Festival del Cinema di Venezia, oltre ad ottenere, nel 1999, la nomina al primo posto nella classifica dei foto-ritrattisti italiani redatta dalla rivista Class.

La curiosità per la particolare tecnica da lui sviluppata ha suscitato l’interesse di numerose aziende leader in vari settori, tra le quali: Milan calcio (“Il Milan del centenario”) Fiat Auto (calendario 2006, libro “Viaggio in italia…nuova fiat 500″) Kerakoll (libro “NewYorkmatericomovimentosa”) Jaeger Lecoultre (libro “La grand maison”) Illy caffè (campagna istituzionale 2008) Nokia ( libro “telefoninotempoemozione”)Lancia Auto (ritratti alla 66a mostra del cinema di Venezia).

Nel 2005 l’incontro con i Sig.ri Fumagalli, appassionati e collezionisti di arte contemporanea, ha permesso a Galimberti di iniziare la realizzazione di importanti volumi sulle città del mondo come New York, Venezia, Berlino. Inoltre nel 2007 viene fondato l’Archivio NordEst che raccoglie, numera e cataloga le sue opere al fine di valorizzarle e di tutelarne l’autenticità.

Nell’ottobre 2009 in occasione della riapertura di Polaroid è invitato in veste di testimonial ufficiale alla fiera della fotografia di Hong Kong , di Las Vegas e al Tribeca Film Festival, realizzando portraits performance con Lady Gaga, Chuck Close e Robert de Niro.

Galimberti ha anche ricoperto il ruolo di visiting professor alla Domus Academy, alla facolta’ di Industrial Design alla Universita’ Bicocca di Milano e, all’Istituto Italiano di fotografia di Milano.

A febbraio 2013 esce “PAESAGGIO ITALIA”, edito da Marsilio Editori SpA, ispirato all’omonimo progetto al quale Galimberti ha lavorato in collaborazione con GiArt di Bologna.

Attualmente sta lavorando ad un prestigioso volume sulla città di Milano in vista dell’Expo del 2015, e ad un volume con Archivio nordest sulla citta’ di New York di imminente realizzazione.

Riccardo Licata nasce a Torino, il 20 dicembre del 1929. Tra il 1935 ed il 1945 vive a Roma con la sua famiglia e successivamente si trasferisce a Venezia, dove comincia a frequentare il  Liceo Artistico. Studia la cultura della Bauhaus e inizia a cimentarsi con il mosaico. Conosce gli artisti Giuseppe Santomaso, Emilio Vedova, Lorenzo Viani, Giulio Turcato e Renato Birolli. Nel 1949 con altri giovani costituisce un gruppo di tendenza astratta. Nel 1950 s’iscrive all’Accademia di Belle Arti di Venezia e due anni più tardi partecipa con un grande mosaico alla Biennale di Venezia e, nel 1953, alla Triennale di Milano.

Conosce Gino Severini e diventa suo assistente alla cattedra di mosaico. Comincia a vivere tra Parigi e Venezia, frequentando gli studi di vari artisti. Diventa docente di mosaico all’Accademia di Belle Arti di Parigi e, dal 1970, insegna tecniche dell’incisione a Venezia. Nel 1963 vince il premio Michetti. Partecipa alle Biennali di Venezia del 1964, 1970 e 1972, alla Quadriennale di Roma, alle Biennali di Parigi, San Paolo e Alessandria d’Egitto.

In questo periodo sviluppa e definisce quello che poi diventerà il suo linguaggio artistico, una specie di alfabeto composto da simboli e tratti grafici, che saranno i “soggetti” di moltissime sue opere, specialmente gli oli su tela, nelle tecniche miste, e nelle serigrafie a tiratura limitata. Questi tratti  Licata stesso li definisce lettere immaginarie, una “scrittura grafico-pittorica” che trae ispirazione dal linguaggio musicale.

Suoi grandi mosaici sono installati in spazi pubblici di città italiane e francesi quali Genova (Palazzo dei lavori pubblici), Bourgoin-Jallieu, Sault-lès-Rethel, Lilla (Università),Perpignano, Monza (largo di via Italia), Reggio Emilia (Camera del Lavoro), ecc. Si è occupato anche di scenografie teatrali (Medea di Euripide, nel 1978 a Treviso, Teatro Comunale) e di balletto (Ichspaltung di Giuseppe Marotta nel 1980 a Venezia, Teatro Goldoni).

Anche moltissime sue opere si trovano presso Musei d’Arte Moderna di Venezia, Milano, Mulhouse, Alessandria, Roma, Torino, Varsavia, San Paulo del Brasile, Vienna, New York, Stoccolma, Firenze, Stoccarda, ecc.

Tra Venezia e Roma, in importanti luoghi come La Biblioteca Nazionale Marciana ed il Museo Nazionale di Palazzo Venezia, sono state ospitate importantissime mostre del maestro, esaltando ciò che è stata la sua ricca ed originale produzione artistica. Proprio la mostra “Riccardo Licata e le stagioni dello spazialismo a Venezia” ha proposto una rassegna delle opere di Licata tra gli anni 50 e 60, confrontandole con quelle di altri artisti contemporanei aderenti alla corrente spazialista, di cui fu il fondatore Lucio Fontana.

Sempre nell’anno 2009, la città di Venezia, per celebrare gli 80 anni del pittore e mosaicista, ospita nel prestigioso Palazzo Ducale una grande mostra di mosaici e vetri. Nello stesso anno Venezia ospita inoltre, presso la sede espositiva della ex Chiesa di Santa Marta, “Porto D’Arti” evento collaterale alla 53esima Biennale d’arte (progetto che figurerà nel Catalogo generale della stessa Biennale e in tutte le comunicazioni dell’Ente) in cui il maestro, che già annovera ben 8 presenze alla Biennale Veneziana, espone unitamente ad altri 7 artisti italiani di fama internazionale, tra i migliori esempi italiani nell’ambito delle arti visive.

Nel 1974 viene aperto a Milano il Civico Museo-Studio Francesco Messina nell’antica chiesa sconsacrata di San Sisto al Carrobbio. Diventerà lo studio ufficiale dell’artista, dove vengono esposte circa ottanta sculture, tra gessi, terrecotte policrome, bronzi e cere e una trentina di opere grafiche (litografie, pastelli, acquarelli, disegni a matita), tutte donate al Comune di Milano.

Nel 1978 partecipa a due grandi mostre in Unione Sovietica presso il Museo Puskin di Mosca e l’Ermitage di Leningrado che poi aprirono delle sale dedicate grazie alla donazione di circa 40 opere di scultura e altrettante di grafica.

Muore a Milano nel 1995 a Milano. Fondamentale è stata l’assistenza della figlia Paola, nei suoi ultimi anni di vita

La critica l’ha consacrato come uno dei più grandi scultori figurativi del Novecento, insieme a Giacomo Manzù, Arturo Martini, Marino Marini. È il padre di alcuni dei maggiori monumenti del Novecento italiano: Santa Caterina da Siena, collocata sul lungotevere di Castel Sant’Angelo; la Via Crucis di San Giovanni Rotondo; il Cavallo morente della RAI; il Monumento a Pio XII nella Basilica di S. Pietro. Le sue opere figurano nei più prestigiosi musei del mondo: Berna, Zurigo, Goteborg, Oslo, Monaco di Baviera, Parigi, Barcellona, Berlino, San Paolo del Brasile, Buenos Aires, Venezia, Mosca, San Pietroburgo, Vienna, Washington, Tokio.

Nel 1929, scrive di lui Carlo Carrà: “la scultura di Francesco Messina si caratterizza per un fare semplice e grandioso e per procedimento idealistico e classico, in grado di dar vita a forme che restano come “immagini ideali”.

Nel 1947 firma il manifesto “Forma 1″, aderisce al gruppo del “Fronte nuovo delle arti”. Successivamente a causa di diverbi riguardanti lo stile e gli impegni politici che il gruppo richiedeva,  Turcato se ne distacca per aderire nel 1952 al cosiddetto “Gruppo degli Otto”, insieme ad alcuni dei più noti esponenti dell’astrattismo informale italiano come Afro Basaldella,  Antonio Corpora, Giuseppe Santomaso,  Emilio Vedova, Mattia Moreni.

Intanto il suo astrattismo stava ormai trovando una dimensione unica ed originale, in quanto “raffreddava” la sua arte  con colori che paiono sgorgare lentamente dalla tela, usando materiali quali la sabbia, a cui conferisce un caratteristico aspetto cangiante, ricorrendo al monocromo e all’uso della gommapiuma, con la quale confeziona gelide e intriganti “Superfici lunari”. Un percorso completamente inverso rispetto a quello di Emilio Vedova, diretto verso la violenza del segno.  Nel 1955 la Gnam di Roma acquista un suo Reticolo per le collezioni permanenti e vince il Premio della Presidenza del Consiglio. E’ presente negli anni ’60 a Documenta di Kassel, alla Biennale di San Paolo del Brasile, al MoMa di New York, al Pac di Milano, alla Staatsgalerie Moderner Kunst di Monaco, al Musée de l’Athenée di Ginevra, al Philadelphia Museum of Art. Tutt’oggi ha un mercato ancora nazionale e ampi margini di incremento di scambi e valori.

Muore a Roma nel 1995

Ringraziamo il Sig. Maurizio per il suo preziosissimo contributo sul titolo e l’anno della lito-serigrafia di Giulio Turcato.
Titolo: Composizione
Anno: 1972
Tiratura: 20 p.d.a in numeri romani; 100 numeri arabi
Fonte: Archivio Turcato, Roma

Amministrazione della Collezione del Talento