Riccardo Licata nasce a Torino, il 20 dicembre del 1929. Tra il 1935 ed il 1945 vive a Roma con la sua famiglia e successivamente si trasferisce a Venezia, dove comincia a frequentare il  Liceo Artistico. Studia la cultura della Bauhaus e inizia a cimentarsi con il mosaico. Conosce gli artisti Giuseppe Santomaso, Emilio Vedova, Lorenzo Viani, Giulio Turcato e Renato Birolli. Nel 1949 con altri giovani costituisce un gruppo di tendenza astratta. Nel 1950 s’iscrive all’Accademia di Belle Arti di Venezia e due anni più tardi partecipa con un grande mosaico alla Biennale di Venezia e, nel 1953, alla Triennale di Milano.

Conosce Gino Severini e diventa suo assistente alla cattedra di mosaico. Comincia a vivere tra Parigi e Venezia, frequentando gli studi di vari artisti. Diventa docente di mosaico all’Accademia di Belle Arti di Parigi e, dal 1970, insegna tecniche dell’incisione a Venezia. Nel 1963 vince il premio Michetti. Partecipa alle Biennali di Venezia del 1964, 1970 e 1972, alla Quadriennale di Roma, alle Biennali di Parigi, San Paolo e Alessandria d’Egitto.

In questo periodo sviluppa e definisce quello che poi diventerà il suo linguaggio artistico, una specie di alfabeto composto da simboli e tratti grafici, che saranno i “soggetti” di moltissime sue opere, specialmente gli oli su tela, nelle tecniche miste, e nelle serigrafie a tiratura limitata. Questi tratti  Licata stesso li definisce lettere immaginarie, una “scrittura grafico-pittorica” che trae ispirazione dal linguaggio musicale.

Suoi grandi mosaici sono installati in spazi pubblici di città italiane e francesi quali Genova (Palazzo dei lavori pubblici), Bourgoin-Jallieu, Sault-lès-Rethel, Lilla (Università),Perpignano, Monza (largo di via Italia), Reggio Emilia (Camera del Lavoro), ecc. Si è occupato anche di scenografie teatrali (Medea di Euripide, nel 1978 a Treviso, Teatro Comunale) e di balletto (Ichspaltung di Giuseppe Marotta nel 1980 a Venezia, Teatro Goldoni).

Anche moltissime sue opere si trovano presso Musei d’Arte Moderna di Venezia, Milano, Mulhouse, Alessandria, Roma, Torino, Varsavia, San Paulo del Brasile, Vienna, New York, Stoccolma, Firenze, Stoccarda, ecc.

Tra Venezia e Roma, in importanti luoghi come La Biblioteca Nazionale Marciana ed il Museo Nazionale di Palazzo Venezia, sono state ospitate importantissime mostre del maestro, esaltando ciò che è stata la sua ricca ed originale produzione artistica. Proprio la mostra “Riccardo Licata e le stagioni dello spazialismo a Venezia” ha proposto una rassegna delle opere di Licata tra gli anni 50 e 60, confrontandole con quelle di altri artisti contemporanei aderenti alla corrente spazialista, di cui fu il fondatore Lucio Fontana.

Sempre nell’anno 2009, la città di Venezia, per celebrare gli 80 anni del pittore e mosaicista, ospita nel prestigioso Palazzo Ducale una grande mostra di mosaici e vetri. Nello stesso anno Venezia ospita inoltre, presso la sede espositiva della ex Chiesa di Santa Marta, “Porto D’Arti” evento collaterale alla 53esima Biennale d’arte (progetto che figurerà nel Catalogo generale della stessa Biennale e in tutte le comunicazioni dell’Ente) in cui il maestro, che già annovera ben 8 presenze alla Biennale Veneziana, espone unitamente ad altri 7 artisti italiani di fama internazionale, tra i migliori esempi italiani nell’ambito delle arti visive.

Interessato al mondo dell’editoria, del giornalismo e della fotografia, nell’arco della sua vita ha collaborato con diverse testate italiane fino a fondare lui stesso riviste intellettuali, come “Sicilia” del 1953. Famosa dagli anni Sessanta la sua attiva partecipazione alla rivista L’Ora. Dal 1959 risiede a Roma, dove prosegue la sua attività con una forza creativa che sembra inesauribile. Ha conosciuto e collaborato con artisti celebri a livello nazionale e internazionale, da Leonardo Sciascia al fotografo Brassaï, entrambi diventati suoi cari amici. Diverse sono le mostre dedicate alle sue opere, tra le quali  ”Federico II a Palermo”, che si è tenuta a maggio 2012 proprio  nella sua città natale e l’ultima, in corso fino ad aprile 2013, presso il Museo della Grafica di Pisa, dal titolo “Bruno Caruso. L’arte del Disegno”. Diverse sue opere fanno parte della collezione permanente di questo stesso Museo . Numerosi riconoscimenti gli sono pervenuti nel corso degli anni in Italia e all’estero, come ad esempio,  ”La medaglia d’oro cultura” dal Presidente della Repubblica nel 2002 e l’anno successivo il “Premio Archimede” destinato ai siciliani più illustri nel mondo. L’Università di Palermo gli ha conferito la Laurea Honoris Causa in Lettere e Filosofia nel 1986. Titolo che si aggiunge a quello da lui conseguito in Giurisprudenza in gioventù.

Non vi è una corrente artistica specifica in cui identificare lo stile di Bruno Caruso, il quale lui stesso dice: “Mi vede addosso un’etichetta? No. Non credo di appartenere ad una scuola. La mia è una pittura figurativa che non si può collocare in uno degli -ismi di questo tempo“

In forte polemica con il Neorealismo che si andava diffondendo in quegli anni, Achille Perilli aderisce al Mac (Movimento Arte Concreta1948), con Soldati, Bruno Munari, Monnet, Dorfles, collaborando successivamente alla fondazione delle riviste “Origine” e “Arti Visive”. Dopo aver esposto i suoi primi lavori con il Gruppo di “Arte Sociale” presso la sezione del Partito Socialista di via Molise a Roma, soggiorna a Parigi, dove conosce Arp, Magnelli e Picabia, studia le opere di Cézanne, Picasso, Braque, Matisse e Kupka e partecipa al Congresso Internazionale dei Critici d’Arte.

Nel 1951, in collaborazione con l’Art Club, allestisce, presso le sale della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, la mostra “Arte Astratta e Concreta in Italia”: la prima rassegna completa dell’astrattismo italiano. Ne 1962 partecipa alla Biennale di Venezia con una sala intermente dedicata alla sua pittura. Numerosissime sono le sue mostre in Italia e nel mondo, tra cui si ricordano le retrospettive alla Narodni Galerie di Praga nel 1970 ed a Parigi nel 1984.

Lo stile pittorico di Achille Perilli, fonda le sue figure geometriche sull’ambiguità, sull’essere insieme aperte e chiuse, sul suo crescere fino a creare uno spazio non reale, ma dell’immagine, fatta di figure piane che allo sguardo risultano inverosimili ed irregolari, quasi irrisolte e concepite in una direziona assolutamente astratta.

Achille Perilli, grande protagonista del rinnovamento delle arti europee fin dal primo dopoguerra, offre nel 2006 una esposizione dal titolo “La Stravaganza della Scultura” che contiene una serie di sculture, dalle “Colonne” realizzate a partire dal 1963 fino al 1968, i “Bianchi” del 1975, i “Distorti” (1996-98), le “Argille” (1997-98) fino agli “Alberi”, produzione a cui il Maestro continua a lavorare ancora oggi.

Levi, inserito in questo contesto, conosce e frequenta personaggi di grande rilievo culturale,  come Cesare Pavese, Giacomo Noventa, Antonio Gramsci, Luigi Einaudi e, più tardi, importante per la sua evoluzione pittorica, Edoardo Persico, Lionello Venturi, Luigi Spazzapan. Nel 1923 effettua un viaggio a a Parigi, dove ha la possibilità di ammirare opere di Modigliani e di Soutine: ne trae una spinta alla ribellione contro la retorica fascista e la cultura ufficiale italiana. Durante questo soggiorno, scrive anche il primo articolo sulla sua pittura nella rivista Ordine nuovo. Si laurea in medicina diventa assistente, fino al 1928, nella Clinica Medica dell’Università di Torino,  ma non eserciterà mai la professione di medico, preferendo definitivamente la pittura e il giornalismo. La profonda amicizia con Felice Casorati orientano la prima attività artistica del giovane Levi, con le opere pittoriche Ritratto del padre (1923) e il levigato nudo di Arcadia, con il quale partecipa alla Biennale di Venezia del 1924. Dopo altri soggiorni a Parigi, dove aveva mantenuto uno studio, la sua pittura, influenzata dalla Scuola di Parigi, subisce un ulteriore cambiamento stilistico, proseguito poi con la conoscenza, tra il 1929 e il 1930, di Modigliani. Con il sostegno di Edoardo Persico e Lionello Venturi, alla fine del 1928 prende parte al movimento pittorico cosiddetto dei sei pittori di Torino, insieme a Gigi Chessa, Nicola Galante, Francesco Menzio, Enrico Paulucci e Jessie Boswell, che lo porterà a esporre in diverse città in Italia e anche in Europa.
Nel 1931 prende parte al movimento antifascista di “Giustizia e libertà”, fondato  da Carlo Rosselli. Per sospetta attività antifascista, nel marzo 1934 Levi viene arrestato, e l’anno successivo, dopo un secondo arresto, condannato al confino, nel paese lucano di Grassano e successivamente trasferito nel piccolo centro di Aliano, da questa esperienza nascerà il suo romanzo più famoso, Cristo si è fermato a Eboli, pubblicato da Einaudi due anni più tardi. Dopo la grazia concessagli nel 1936 dal regime fascista, si trasferisce in Francia, dove continua la sua attività politica. Rientrato in Italia, nel 1943 aderisce al Partito d’azione e dirige insieme ad altri Azionisti La Nazione del Popolo, organo del Comitato di Liberazione della Toscana.

Levi continuerà nel dopoguerra la sua attività di giornalista, in qualità di direttore del quotidiano romano Italia libera, partecipando a iniziative e inchieste politico-sociali sull’arretratezza del Mezzogiorno d’Italia, e per molti anni collaborerà con il quotidiano La Stampa di Torino. Nel 1954 aderisce al gruppo neorealista e partecipa alla Biennale di Venezia con apprezzabili dipinti, in chiave realistica come la sua narrativa. Dopo Cristo si è fermato a Eboli, di grande interesse sono Le parole sono pietre, del 1955, sui problemi sociali della Sicilia (vincitore nello stesso anno del Premio Viareggio), Il futuro ha un cuore antico (1956), Tutto il miele è finito (1965), e L’orologio, pensosa e inquieta cronaca degli anni della ricostruzione economica italiana (1950).

Nel 1963, la sua vita politica diventa sempre più attiva in quanto decide di modificare quella politica immobile e stratificata, conservatrice di diritti ottenuti molto spesso illegalmente.Nel gennaio 1973 subisce due interventi chirurgici per il distacco della retina. In stato temporaneo di cecità riuscirà a scrivere Quaderno a cancelli, che sarà pubblicato postumo nel1979, e a tracciare più di 146 disegni della cecità, che saranno pubblicati nel volume “Carlo Levi inedito: con 40 disegni della cecità“.

Muore a Roma il 4 gennaio 1975.

A partire dal 1970, Bodini inizia ad utilizzare il marmo, materiale sempre più usato nel suo lavoro, soprattutto per le opere monumentali. Realizza in marmo il monumento a Virgilio, per la città di Brindisi, nel 1985; la “Fonte di Sant’Agostino”, per Casciago (Varese), nel 1986; “Paolo VI” per il Duomo di Milano, nel 1989; il ritratto del “Cardinal Ferrari” per il Duomo di Parma, 1994;:l’altare maggiore del Duomo di Varese, 1991; il complesso dell’Altare Maggiore del Santuario della Santa Casa di Loreto, 1994; il “Monumento ai caduti del lavoro” per la città di Carrara, 1995; l’Altare Maggiore del Santuario” dell’Addolorata di Rho, 1995; l’Altare, l’Ambone e la sede delle Grotte Vaticane, 1999; la statua di “Santa Brigida di Svezia” per la Basilca di San Pietro in Vaticano; la Porta bronzea per il Laterano, 2000.

In bronzo realizza il “Monumento a Paolo VI” per il sacro Monte di Varese, 1986; il “Volo di colombe” nel 1997 per la nuova sede AGIP di San Donato Milanese; il monumento a “I sette di Gottinga” per la città di Hannover, 1998; il monumento “A Stradivari” per la città di Cremona, 1999, oltre a numerose sculture conservate nei musei italiani e internazionali.

Partecipa ad innumerevoli mostre pubbliche in città come Milano, Roma, New York, Pittsburgh, Amburgo, Lisbona, Madrid, Colonia, Hannover, Buenos Aires, Berlino, Bonn, Anversa. Partecipa anche alla nona e decima edizione della Quadriennale di Roma e sia nel 1962 che nel 1982 espone alla Biennale Internazionale d’Arte di Venezia.

E’ insignito nel 1977 del Premio Presidente della Repubblica per la Scultura dall’Accademia di San Luca. Nel 1979 gli viene conferito il Premio Bolaffi. Nel 1997 gli è attribuito il Premio per la Scultura Michelangelo Buonarroti; nel 1998 la città di Suzzara, in occasione del II Premio “Dino Villani” gli dedica il premio alla carriera. Nello stesso anno è Maestro del Palio della città di Asti. L’8 maggio del 1999 viene inaugurato il Museo Civico Floriano Bodini a Gemonio.

Muore a Milano il 2 Luglio 2005

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Nel 1947, divide lo studio con un gruppo di artisti, tra i quali Leoncillo, Guttuso e Mazzacurati. Qui prepara la mostra per la Galleria del Secolo del 1948, con prefazione di Fortunato Bellonz: nel catalogo spiccano “La Pattinatrice” e “Il Lottatore”. Nello stesso anno partecipa con “Il Lottatore” alla mostra dello Sport alla Tate Gallery di Londra,  il quale successivamente acquista la sua “Donna seduta”. Nel 1949 Greco partecipa, con la  Testa d’uomo e il Cantante,   alla grande mostra Arte italiana del Ventesimo Secolo  curata da Alfred Barr nel Museum of Modern Art di New York. Nel 1956, partecipa alla XXVIII Biennale di Venezia e la giuria gli conferisce il Gran Premio della Scultura con l’opera “La Grande Bagnante N.1″. Nel 1962, Greco ha il compito di scolpire le porte del Duomo d’Orvieto, per finirle tre anni più tardi; ma a causa di forti polemiche sull’opportunità di sovrapporre un’opera contemporanea alla facciata Gotica del Duomo, le porte vengono definitivamente incardinate nell’agosto del 1970. È anche autore del Monumento a Papa Giovanni XXIII in San Pietro. Gli anni’70 e ’80 vedono Emilio Greco in mostra in tutto il mondo: da Ferrara a Tokio, da Leningrado a Mosca, e poi sul finire del 1980, una serie di mostre antologiche a Catania, Roma e Firenze.

Emilio Greco muore a Roma il 4 Aprile 1995 e riposa a Sabaudia, nel cimitero cittadino.

L’Italia e soprattutto i bambini di tutto il mondo, lo ricordano con il Monumento a Pinocchio,  installato a Collodi, il quale lo costruì nel 1956, in seguito ad un concorso: un intreccio fantastico, che con lieve movimento a spirale unisce  e slancia verso l’alto le figure del celebre burattino, della Fata e del gabbiano in un compenetrarsi di pieni e di vuoti, che  essendo praticati dai giovani, formano un’unica essenza.

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Nel 2006 il Presidente della Repubblica Italiana, Carlo Azeglio Ciampi, lo nomina Grande Ufficiale della Repubblica per i meriti artistici, in quanto è riuscito, con le sue opere, a divulgare le meraviglie dell’Italia in tutto il mondo. Si spegne in quello stesso anno a Roma, precisamente il 20 luglio, e la città lo volle salutare e ringraziare con una cerimonia pubblica, alla presenza di autorità politiche ed artistiche.

Partecipa nel 1954 e nel 1956 alla Biennale di Venezia con le sculture in bronzo, dal titolo “Colloqui”; proprio nella  Biennale del 1956 riceve il Premio Einaudi per aver semplificato e rinnovato il concetto di scultura. Negli anni a seguire partecipa anche: alla 3° Biennale di San Paolo, in Brasile; all’ Honorable Mention del Carnegie Institute di Pittsburg; al Prix de la Critique Belgique a Bruxelles. nel 1960 vince il Premio della Scultura alla XXX Biennale di Venezia e dopo quattro anni partecipa al Documenta III a Kassel.

Nel 1972 Consagra posiziona nel luogo della mostra Aspetti della Scultura Italiana, della XXXVI Esposizione Interanzionale di Venezia, 7 sculture in legno, alte tre metri, fissate in modo tale da non permettere una completa osservazione dell’opera; simbolo per l’autore, del coinvolgimento di chi osserva nell’attraversamento di una trama.

Realizza diverse opere per Gibellina Nuova, distrutta dal terremoto del 1967, tra cui si ricordano: il “Meeting”, edificio frontale in muratura, ferro e vetro, che al posto delle scale, ha dei camminamenti inclinati; la “La Porta del Belice” una gande stella, alta 24 metri, in acciaio inox.
Fra le sue ultime grandi opere, nel 1998, esegue una scultura in marmo, dedicata a Giano, alta più di cinque metri, situata a Largo Santa Susanna a Roma. Si spegne a Milano nel 2005, ma le sue volontà sono state quelle di essere seppellito nel cimitero di Gibellina.
Insignito della medaglia d’oro come Benemerito della Cultura e dell’Arte dal Presidente della Repubblica Carlo Azeglio Ciampi, oltre che scultore, Consagra è stato anche scrittore e critico, collaboratore di molte pubblicazioni d’arte.

Dopo un primo periodo figurativo, caratterizzato soprattutto dal recupero di forme espressive arcaiche ed antiche, nel dopoguerra Mastroianni persegue una linea astratta utilizzando sia strutture informali, sia schemi geometrizzanti, sempre con forti caratterizzazioni dinamiche e vitalistiche, con particolare riferimento al costruttivismo. Fin dal 1957 Mastroianni si impose come lo scultore che è mancato al cubismo, scultore di robusta immaginazione plastica, impostata sui ritmi delle dissonanze nelle quali suggestioni di altre esperienze di altre esperienze vengono assorbite originalmente in un modulata da una energia interiore che fa danzare visivamente le forme. Il riconoscimento più alto lo consegue alla XXIX Biennale di Venezia del ’58, quando ottiene il Gran Premio Internazionale per la scultura.  Nell’ ottobre del 1989, dopo i premi Biancamano e la Ginestra d’oro del Cònero, gli viene conferito a Tokyo il “Premium Imperiale”, Nobel per l’arte del Sol Levante.

Come le sue mostre personali, innumerevoli sono le opere esposte nei più importanti musei di tutto il mondo, come i monumenti dedicati alla resistenza, ai caduti in guerra e alla pace, opere eseguite prevalentemente in bronzo o in acciaio.

Muore nel febbraio del 1998, all’età di ottantotto anni, nella sua casa-museo di Marino, presso i Giardini Colonna.

Scrive di lei il maestro Bruno Caruso: “Non è certo facile la vita dell’artista nella profonda Sicilia, al centro di un’isola che è ancora dominata dai sofismi che la tengono in bilico, come diceva Sinisgalli, tra “l’astrattezza e il documento”, cioè fra l’espressione realistica della classicità e l’arabesco dell’Islam, che nell’arte contemporanea hanno assunto i linguaggi delle più varie correnti. Ma non si può neppure ignorare che in Sicilia sopravvive fortemente un esempio antico di irraggiungibile qualità, negli stessi luoghi dov’erano edificati gli antichi templi o si scolpivano i capolavori della scultura del V secolo: un esempio qualitativo che non riesce ad estinguersi e che anzi, come ci dimostra Marcella Tuttobene, si arricchisce di tutti quei linguaggi del mito e dei simboli che l’artista ha scelto come tematica ed ispirazione del suo lavoro grafico nei disegni e nelle incisioni e che, come avviene nei miti e nei simboli, carica i suoi lavori di quei significati di intenti, conferendo, anche nelle opere di contenuto diverso, un grande fascino al suo lavoro. Un lavoro che peraltro si rivolge con grande delicatezza senza mai lasciarsi contaminare dalle cattive influenze delle avanguardie o dalle volgarità dei nostri tempi.

Roma Aprile 2002”