Riccardo Licata nasce a Torino, il 20 dicembre del 1929. Tra il 1935 ed il 1945 vive a Roma con la sua famiglia e successivamente si trasferisce a Venezia, dove comincia a frequentare il  Liceo Artistico. Studia la cultura della Bauhaus e inizia a cimentarsi con il mosaico. Conosce gli artisti Giuseppe Santomaso, Emilio Vedova, Lorenzo Viani, Giulio Turcato e Renato Birolli. Nel 1949 con altri giovani costituisce un gruppo di tendenza astratta. Nel 1950 s’iscrive all’Accademia di Belle Arti di Venezia e due anni più tardi partecipa con un grande mosaico alla Biennale di Venezia e, nel 1953, alla Triennale di Milano.

Conosce Gino Severini e diventa suo assistente alla cattedra di mosaico. Comincia a vivere tra Parigi e Venezia, frequentando gli studi di vari artisti. Diventa docente di mosaico all’Accademia di Belle Arti di Parigi e, dal 1970, insegna tecniche dell’incisione a Venezia. Nel 1963 vince il premio Michetti. Partecipa alle Biennali di Venezia del 1964, 1970 e 1972, alla Quadriennale di Roma, alle Biennali di Parigi, San Paolo e Alessandria d’Egitto.

In questo periodo sviluppa e definisce quello che poi diventerà il suo linguaggio artistico, una specie di alfabeto composto da simboli e tratti grafici, che saranno i “soggetti” di moltissime sue opere, specialmente gli oli su tela, nelle tecniche miste, e nelle serigrafie a tiratura limitata. Questi tratti  Licata stesso li definisce lettere immaginarie, una “scrittura grafico-pittorica” che trae ispirazione dal linguaggio musicale.

Suoi grandi mosaici sono installati in spazi pubblici di città italiane e francesi quali Genova (Palazzo dei lavori pubblici), Bourgoin-Jallieu, Sault-lès-Rethel, Lilla (Università),Perpignano, Monza (largo di via Italia), Reggio Emilia (Camera del Lavoro), ecc. Si è occupato anche di scenografie teatrali (Medea di Euripide, nel 1978 a Treviso, Teatro Comunale) e di balletto (Ichspaltung di Giuseppe Marotta nel 1980 a Venezia, Teatro Goldoni).

Anche moltissime sue opere si trovano presso Musei d’Arte Moderna di Venezia, Milano, Mulhouse, Alessandria, Roma, Torino, Varsavia, San Paulo del Brasile, Vienna, New York, Stoccolma, Firenze, Stoccarda, ecc.

Tra Venezia e Roma, in importanti luoghi come La Biblioteca Nazionale Marciana ed il Museo Nazionale di Palazzo Venezia, sono state ospitate importantissime mostre del maestro, esaltando ciò che è stata la sua ricca ed originale produzione artistica. Proprio la mostra “Riccardo Licata e le stagioni dello spazialismo a Venezia” ha proposto una rassegna delle opere di Licata tra gli anni 50 e 60, confrontandole con quelle di altri artisti contemporanei aderenti alla corrente spazialista, di cui fu il fondatore Lucio Fontana.

Sempre nell’anno 2009, la città di Venezia, per celebrare gli 80 anni del pittore e mosaicista, ospita nel prestigioso Palazzo Ducale una grande mostra di mosaici e vetri. Nello stesso anno Venezia ospita inoltre, presso la sede espositiva della ex Chiesa di Santa Marta, “Porto D’Arti” evento collaterale alla 53esima Biennale d’arte (progetto che figurerà nel Catalogo generale della stessa Biennale e in tutte le comunicazioni dell’Ente) in cui il maestro, che già annovera ben 8 presenze alla Biennale Veneziana, espone unitamente ad altri 7 artisti italiani di fama internazionale, tra i migliori esempi italiani nell’ambito delle arti visive.

Nel 1947, divide lo studio con un gruppo di artisti, tra i quali Leoncillo, Guttuso e Mazzacurati. Qui prepara la mostra per la Galleria del Secolo del 1948, con prefazione di Fortunato Bellonz: nel catalogo spiccano “La Pattinatrice” e “Il Lottatore”. Nello stesso anno partecipa con “Il Lottatore” alla mostra dello Sport alla Tate Gallery di Londra,  il quale successivamente acquista la sua “Donna seduta”. Nel 1949 Greco partecipa, con la  Testa d’uomo e il Cantante,   alla grande mostra Arte italiana del Ventesimo Secolo  curata da Alfred Barr nel Museum of Modern Art di New York. Nel 1956, partecipa alla XXVIII Biennale di Venezia e la giuria gli conferisce il Gran Premio della Scultura con l’opera “La Grande Bagnante N.1″. Nel 1962, Greco ha il compito di scolpire le porte del Duomo d’Orvieto, per finirle tre anni più tardi; ma a causa di forti polemiche sull’opportunità di sovrapporre un’opera contemporanea alla facciata Gotica del Duomo, le porte vengono definitivamente incardinate nell’agosto del 1970. È anche autore del Monumento a Papa Giovanni XXIII in San Pietro. Gli anni’70 e ’80 vedono Emilio Greco in mostra in tutto il mondo: da Ferrara a Tokio, da Leningrado a Mosca, e poi sul finire del 1980, una serie di mostre antologiche a Catania, Roma e Firenze.

Emilio Greco muore a Roma il 4 Aprile 1995 e riposa a Sabaudia, nel cimitero cittadino.

L’Italia e soprattutto i bambini di tutto il mondo, lo ricordano con il Monumento a Pinocchio,  installato a Collodi, il quale lo costruì nel 1956, in seguito ad un concorso: un intreccio fantastico, che con lieve movimento a spirale unisce  e slancia verso l’alto le figure del celebre burattino, della Fata e del gabbiano in un compenetrarsi di pieni e di vuoti, che  essendo praticati dai giovani, formano un’unica essenza.

]]> https://www.collezionedeltalento.it/greco-emilio/feed/ 0 https://www.collezionedeltalento.it/annigoni-pietro/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=annigoni-pietro https://www.collezionedeltalento.it/annigoni-pietro/#comments Fri, 11 May 2012 15:17:03 +0000 admin http://www.collezionedeltalento.it/?p=256 Pietro Annigoni è nato il 7 giugno 1910 a Milano. Insieme alla famiglia si trasferisce da fanciullo a Firenze, dove frequenta prima il Collegio dei Padri Scolopi e successivamente la Scuola Libera di Nudo dell’Accademia di Belle Arti: qui conobbe i suoi maestri Felice Carena per la pittura, Giuseppe Graziosi per la scultura, Celestino Celestini per la grafica. A Firenze si lega a personalità della cultura come il letterato Renzo Simi, il pittore e scultore Mario Parri, lo storico Carlo Francovich, lo studioso d’arte Niccolò Rasmo. Specializzato in ritrattistica, la sua attività è nota soprattutto per il ritratto del 1955 della Regina Elisabetta II del Regno Unito. Ne eseguì molti altri, tra cui anche per il Papa Giovanni XXIII, John Fitzgerald Kennedy, il Principe Filippo e la Principessa Margaret; ed è per questo che fu soprannominato “il pittore delle regine” , sebbene i soggetti che Annigoni preferiva ritrarre erano persone meno agiate, di cui riusciva ad evidenziare non solo l’aspetto esteriore, maì anche i loro sentimenti. Tra questi si ricorda il ritratto di Cinciarda, un barbone che frequentava il suo studio Fiorentino durante la Seconda Guerra Mondiale. Innumerevoli le sue mostre in Italia e all’estero, tra cui molte si svolsero alla Royal Academy di Londra. Negli ultimi trent’anni della sua attività lavorativa  fu impegnato nella realizzazione di importanti cicli decorativi, il cui tema erano ambiguamente il sacro ed il profano. Nel 1969 muore la sua prima moglie e dopo anni di dolorosa solitudine, incontra colei che diventerà la compagna fino alla fine dei suoi giorni: la giovanissima modella Rossella Segreto, che sposa nel 1976. Annigoni dipinge fino a quando si spegne a Firenze il 28 ottobre del 1988.

“…Zora ha lavorato a questa scena collettiva con una grande forza d’invenzione, facendo fare un salto di qualità all’evento, immortalandolo (…) del lavoro inteso come fatica emblematica del dare la morte per permettere la vita.

Zora ha composto un semicerchio dove avviene la scena e s’incrociano i movimenti rituali dei pescatori, obbedienti alle prescrizioni disciplinari, con quelli scomposti delle bestie marine che annegano nel sangue il momento della loro involontaria passione.

Si tratta di un bassorilievo che non ha nulla di oleografico e di decorativo, ma corrisponde ad una funzione sociale che l’arte conserva in occidente, senza per questo cadere nella sociologia, nell’essere a posto di un’altra cosa.”

Tratto dal Libro:

“Zora, sculture, Tunisi, Cartagine”, 2002

Scrive di lei il maestro Bruno Caruso: “Non è certo facile la vita dell’artista nella profonda Sicilia, al centro di un’isola che è ancora dominata dai sofismi che la tengono in bilico, come diceva Sinisgalli, tra “l’astrattezza e il documento”, cioè fra l’espressione realistica della classicità e l’arabesco dell’Islam, che nell’arte contemporanea hanno assunto i linguaggi delle più varie correnti. Ma non si può neppure ignorare che in Sicilia sopravvive fortemente un esempio antico di irraggiungibile qualità, negli stessi luoghi dov’erano edificati gli antichi templi o si scolpivano i capolavori della scultura del V secolo: un esempio qualitativo che non riesce ad estinguersi e che anzi, come ci dimostra Marcella Tuttobene, si arricchisce di tutti quei linguaggi del mito e dei simboli che l’artista ha scelto come tematica ed ispirazione del suo lavoro grafico nei disegni e nelle incisioni e che, come avviene nei miti e nei simboli, carica i suoi lavori di quei significati di intenti, conferendo, anche nelle opere di contenuto diverso, un grande fascino al suo lavoro. Un lavoro che peraltro si rivolge con grande delicatezza senza mai lasciarsi contaminare dalle cattive influenze delle avanguardie o dalle volgarità dei nostri tempi.

Roma Aprile 2002”